Προσθέστε το pentapostagma.gr ως προτιμώμενη πηγή στα αποτελέσματα αναζήτησης στην Google. Το 1907, ο Πάμπλο Πικάσο προσκάλεσε έναν μικρό κύκλο καλλιτεχνών και φίλων στο ατελιέ του στο Παρίσι. Ήθελε να τους δείξει έναν πίνακα στον οποίο εργαζόταν επί έξι μήνες. Σχεδόν ομόφωνα, η αντίδραση των ομοτέχνων του ήταν σοκ, τρόμος και αηδία. Ο Γάλλος ζωγράφος Georges Braque φέρεται να συνέκρινε την εμπειρία με το να πίνει κανείς βενζίνη, ενώ ο Henri Matisse λέγεται ότι αποκάλεσε τις γυναίκες του πίνακα «απεχθείς». Το έργο δεν θα εκτιθόταν δημόσια παρά μόνο το 1916, σχεδόν μια δεκαετία αργότερα.
Περισσότερο από έναν αιώνα μετά, έχει γίνει ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα και αμφιλεγόμενα έργα του Πικάσο. Έχει επίσης επανερμηνευτεί από τον καταξιωμένο Αμερικανό ζωγράφο Henry Taylor. Η δική του εκδοχή εκτίθεται αυτή τη στιγμή σε μια μεγάλη έκθεση στο Εθνικό Μουσείο Πικάσο στο Παρίσι, με τον Taylor να υπογραμμίζει ένα σημείο-κλειδί για τον παλαιότερο πίνακα: οφείλει πολλά περισσότερα στην αφρικανική τέχνη από όσα ο Πικάσο παραδέχτηκε ποτέ
Ο πίνακας που είχε δείξει ο Πικάσο στους ομοτέχνους του ήταν οι Δεσποινίδες της Αβινιόν (1907), μια μεγάλη ελαιογραφία στην οποία πέντε γυμνές γυναίκες σε έναν οίκο ανοχής της Βαρκελώνης απαιτούν την προσοχή του θεατή. Δύο από τις γυναίκες έχουν πρόσωπα που θυμίζουν μάσκες, τρεις κοιτάζουν επίμονα τον παρατηρητή, και όλες έχουν αιχμηρά, εξαρθρωμένα σώματα. Σηματοδότησε μια απότομη στροφή δημιουργικής πορείας για τον Πικάσο και μια δραματική απομάκρυνση από τους καλλιτεχνικούς κανόνες της εποχής.
«Ο Πικάσο απομακρύνθηκε από τη συναισθηματική, παραστατική ζωγραφική, κατευθυνόμενος προς τη διάσπαση των φορμών και την επανεξέταση του τρόπου με τον οποίο αναπαρίστανται ο χώρος και τα σώματα», λέει στο BBC η Joanne Snrech, επιμελήτρια στο Εθνικό Μουσείο Πικάσο και προσθέτει: «Αυτή η μετατόπιση ήταν καθοριστική για την ανάπτυξη του Κυβισμού και της μοντέρνας τέχνης ευρύτερα».
Οι Δεσποινίδες της Αβινιόν ονομάζονταν αρχικά Le Bordel d'Avignon («Ο Οίκος Ανοχής της Αβινιόν») μέχρι το 1916, όταν ο τίτλος άλλαξε για να είναι λιγότερο αμφιλεγόμενος. Θεωρείται θεμελιώδες έργο για τη γέννηση του Κυβισμού, του καλλιτεχνικού κινήματος του 20ού αιώνα που είναι γνωστό για την εγκατάλειψη των παραδοσιακών, ρεαλιστικών μορφών αναπαράστασης προς όφελος κατακερματισμένων και γεωμετρικών σχημάτων.
Όπως έκανε ο Πικάσο στις Δεσποινίδες, ο Κυβισμός συγχώνευσε πολλαπλές οπτικές γωνίες ενός αντικειμένου ή προσώπου σε μία μόνο εικόνα. «Μέρος αυτού που έκανε την αντίδραση τόσο έντονη είναι ότι ο Πικάσο δεν άλλαξε μόνο ένα πράγμα: τα άλλαξε όλα ταυτόχρονα», λέει η Snrech και προσθέτει: «Ακόμη και για καλλιτέχνες που πειραματίζονταν ήδη με νέα στυλ, αυτό φάνηκε ως ένα βήμα παραπάνω από το επιτρεπτό».
Όμως οι καινοτομίες του Πικάσο δεν προέκυψαν από το πουθενά. Ορισμένες από αυτές, θα μπορούσε να ισχυριστεί κανείς, προήλθαν απευθείας από την αφρικανική Ήπειρο.
Μήνες πριν δημιουργήσει αυτόν τον πίνακα, ο Πικάσο είχε αναπτύξει ένα ιδιαίτερο ενδιαφέρον για τις αφρικανικές μάσκες και τα γλυπτά, με αφορμή ένα μικρό αγαλματίδιο –από τη σημερινή Λαϊκή Δημοκρατία του Κονγκό– που είχε αγοράσει ο Henri Matisse στο Παρίσι το 1906. Ο Πικάσο άρχισε να επισκέπτεται τακτικά το αφρικανικό τμήμα του Εθνογραφικού Μουσείου Τροκαντερό, δημιουργώντας εκατοντάδες προπαρασκευαστικά σχέδια για το νέο του αριστούργημα.
«Αυτό που τον εντυπωσίασε δεν ήταν μόνο η εμφάνισή τους, αλλά ο τρόπος που λειτουργούσαν: τα πρόσωπα είναι απλοποιημένα, παραμορφωμένα, μερικές φορές πολύ έντονα ή ακόμη και ανησυχητικά», λέει η Snrech και πρόσθεσε: «Εμπνεύστηκε ξεκάθαρα από αυτή τη διαφορετική προσέγγιση στο ανθρώπινο πρόσωπο, η οποία του επέτρεψε να απομακρυνθεί από τον νατουραλισμό και να κινηθεί προς κάτι πιο αφηρημένο και προκλητικό».
Παρά το γεγονός ότι αυτό το έργο και πολλά άλλα διαμορφώθηκαν από τις επαφές του με την αφρικανική τέχνη, ο Πικάσο είναι γνωστό ότι υποβάθμιζε την επιρροή της. Σύμφωνα με την περίφημη δήλωσή του σε έναν κριτικό που εργαζόταν πάνω σε μια σειρά για την αφρικανική τέχνη για ένα περιοδικό το 1920, «δεν είχε ακούσει ποτέ γι' αυτήν».
Η απροθυμία του Πικάσο να αναγνωρίσει τον αντίκτυπο της αφρικανικής τέχνης στο έργο του, ενώ επωφελούνταν άμεσα από αυτήν, προκάλεσε αργότερα κατηγορίες για πολιτισμική οικειοποίηση. Οι κριτικές υπογραμμίζουν την πολιτισμική, θρησκευτική και κοινωνική σημασία των αντικειμένων που ο Πικάσο παρατήρησε αλλά φαινομενικά αγνόησε, και πώς αυτό τροφοδότησε το ευρύτερο αφήγημα που ήθελε την αφρικανική τέχνη να θεωρείται «πρωτόγονη» εκείνη την εποχή.
Η επανεξέταση των «Δεσποινίδων»
Ο Henry Taylor επέστρεψε στον εμβληματικό πίνακα του Πικάσο όταν επισκέφθηκε το Παρίσι για την πρώτη του ατομική έκθεση στην Ευρώπη το 2007, σχεδόν έναν αιώνα αφότου ο Πικάσο τον πρωτοδημιούργησε. Η εκδοχή του Taylor, με τίτλο From Congo to the Capital and Black Again (2007) («Από το Κονγκό στην Πρωτεύουσα και Πάλι Μαύρο»), εκτίθεται τώρα στο Εθνικό Μουσείο Πικάσο στο Παρίσι για την έκθεση Henry Taylor. Where Thoughts Provoke, την πρώτη του μεγάλη αναδρομική έκθεση στην Ευρώπη. Διατηρεί τη βασική δομή και τις πόζες των πέντε γυμνών γυναικών και τα δύο χαρακτηριστικά πρόσωπα με μάσκες. Όμως οι αρχικά λευκές φιγούρες είναι τώρα μαύρες, παραπέμποντας πιο απροκάλυπτα στην αφρικανική τέχνη.
Γνωστός για την εξερεύνηση της ζωής των Μαύρων στις ΗΠΑ, ο Taylor επανερμηνεύει τη σύνθεση από τη δική του οπτική γωνία, ως καλλιτέχνης με διαφορετικό πολιτισμικό και κοινωνικό υπόβαθρο. «Το έργο του Taylor συχνά επικεντρώνεται σε ανθρώπους που ιστορικά υποεκπροσωπούνταν, δίνοντάς τους παρουσία και ατομικότητα», λέει η Snrech και προσθέτει: «Όταν τοποθετούνται μαζί, τα έργα (του Πικάσο και του Taylor) αναδεικνύουν όχι μόνο τις καλλιτεχνικές διαφορές, αλλά και ευρύτερα ερωτήματα σχετικά με την εξουσία, την επιρροή και το ποιες ιστορίες λέγονται».
Όμως τα δύο έργα αναδεικνύουν επίσης μια πιθανώς διαφορετική στάση απέναντι στις γυναίκες. Η ιστορικά ταραγμένη σχέση του Πικάσο με το άλλο φύλο έχει γίνει δύσκολο να διαχωριστεί από την υστεροφημία των πινάκων του. Γνωστός για μια σειρά από θυελλώδεις έρωτες, ο Πικάσο φέρεται να είχε πει στη ζωγράφο Françoise Gilot ότι όλες οι γυναίκες είναι είτε «θεές είτε χαλάκια ποδιών» και «μηχανές πόνου». Για ορισμένους κριτικούς, η βία των κατακερματισμένων σωμάτων φαντάζει προσωπική παρά αισθητική.
«Το θέμα ήταν ήδη προκλητικό, αλλά ο Πικάσο αφαίρεσε κάθε απαλότητα», λέει η Snrech. Στην νεότερη εκδοχή, αν και αφηρημένα, τα σώματά τους είναι λιγότερο εξαρθρωμένα – το αποτέλεσμα είναι πιο δυναμικό παρά επιθετικό.
Η κεντρική φιγούρα του Taylor στέκεται με τα χέρια της μερικώς πίσω από την πλάτη της. Το κοντό ασύμμετρο καρέ κούρεμα που φοράει μοιάζει με αυτό της Josephine Baker, της Αμερικανογαλλίδας χορεύτριας και τραγουδίστριας, γνωστής ως της πρώτης μαύρης γυναίκας που έγινε παγκοσμίου φήμης σουπερστάρ. Κάνοντας αυτό, ο καλλιτέχνης «εισάγει ερωτήματα ταυτότητας, φυλής και αναπαράστασης», λέει η Snrech.
Ο τίτλος του Taylor, From Congo to the Capital and Black Again (2007), αναφέρεται στο φιγουρίνι από το Κονγκό του Matisse που πυροδότησε το ενδιαφέρον του Πικάσο για την αφρικανική τέχνη, σημειώνοντας τη μετακίνησή του από την Αφρική στο Παρίσι. Αναφέρεται επίσης στον τρόπο με τον οποίο ο ίδιος ο Taylor έκανε τον πίνακα «ξανά μαύρο», ενσωματώνοντας μαύρους ανθρώπους. Ωστόσο, ένα αποκομμένο λευκό ανδρικό χέρι με ένα χρυσό ρολόι αιωρείται επίσης στην αριστερή γωνία, θωπεύοντας ένα από τα υποκείμενα. Αυτό θα μπορούσε να είναι μια αναφορά στους δύο άνδρες –έναν ναύτη και έναν φοιτητή ιατρικής– που ο Πικάσο είχε σκεφτεί αρχικά να συμπεριλάβει στον πίνακα. «Δεν κάνει απλώς μια αναφορά στον Πικάσο, τον αμφισβητεί και τον επανερμηνεύει», προσθέτει η Snrech.
Παρά το αρχικό σχόλιο του Braque για τις Δεσποινίδες, ο ίδιος υιοθέτησε μια πιο γωνιώδη προσέγγιση στους πίνακές του λίγο αργότερα. Και μέχρι τη δεκαετία του 1920, αυτό που αρχικά προκάλεσε αηδία στους πίνακες του Πικάσο ήταν αυτό που οδήγησε στην επαναξιολόγησή τους ως αριστούργημα. Ο συγγραφέας και ποιητής André Breton εκθείασε τον πίνακα ως επαναστατικό, πείθοντας τον Γάλλο σχεδιαστή μόδας και συλλέκτη τέχνης Jacques Doucet να τον αγοράσει. Και το 1939, το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης (MoMA) τον απέκτησε ως εμβληματικό κομμάτι. Παραμένει εκεί μέχρι σήμερα.
Περισσότερο από έναν αιώνα μετά, οι Δεσποινίδες της Αβινιόν παραμένουν τόσο αμφιλεγόμενες που οι καλλιτέχνες εξακολουθούν να καταπιάνονται με τα θέματα που εμπεριέχονται σε αυτές. Απόδειξη, σίγουρα, του πώς ένας πίνακας μπορεί να μισηθεί και να αγαπηθεί ταυτόχρονα – και να καθορίσει ένα δραματικό σημείο καμπής στην ιστορία της τέχνης.
